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Numéro thématique de la revue Dalhousie French Studies.

Déjà en 1537 La Prognostication des prognostications de Bonaventure des Périers dénonçait l’engouement pour les « nouveautez nouvelles » dont souffrait un monde désormais « affamé de Nouvelles », cherchant à dévorer constamment les nouvelles, n’importe quelles nouvelles, toujours plus de nouvelles, avec une insatiabilité qui attire, qui se repait tout particulièrement des « nouvelles faulses » :

Et tant tu es les Nouvelles leschant,

Que tu prens tout, le bon, et le meschant :

Car bien souvent les faulses et meschantes  

Sont celles là pour lesquelles plus chantes.

« Tu vas », accuse des Périers, s’adressant à un monde transformé par ce nouveau média qu’était alors l’imprimerie (et plus particulièrement les brochures et publications occasionnelles), « tu cours ça et là, par ces rues, en mengeant [les nouvelles], et [en les] rongeant toutes crues ».  

Tantost de toy sont bonnes [nouvelles] approuvées,

Tu les reprens, tu les prises et notes,

À belles dents [...] les grignotes,

En te saoulant de tes Nouvelles faulses,  

Comme ung souillard cuysinier de ses saulses.1

Notre XXIe siècle, persuadé par ses propres pulsions médiatiques que tout est inouï, extraordinaire, nouveau, n’aurait-il pas avantage à ralentir le pas, ou même à revenir en arrière, pour faire l’archéologie de ces « nouveautez nouvelles », ou peut-être de ces fausses nouveautés, que sont les Fakes News ? Il y aurait fort à faire. L’historien Robert Darnton l’affirmait récemment : « on retrouve tout au long de l’Histoire l’équivalent des textes et tweets venimeux que l’on observe aujourd’hui » ; il donnait alors lui-même les exemples des pasquinades au XVIe siècle, des canards parisiens du XVIIe, de la presse à scandale londonienne et des gazettes françaises manuscrites et clandestines au XVIIIe2. On peut ajouter à cela la véritable jungle de l’imprimé qui fleurit au XIXe, suite aux progrès techniques de l’imprimerie, avec l’explosion de la grande presse, le développement des journaux d’opinion aux orientations idéologiques marquées, et la naissance des premiers grands groupes d’édition. Et pour terminer, le XXe, riche en informations alternatives, à l’enseigne du « bourrage de crânes » dénoncé lors du premier conflit mondial, de la propagande élevée en science qui marque la deuxième guerre, et des contestations soixante-huitardes s’élevant contre les mensonges médiatiques au service du pouvoir.

Avant d’établir des comparaisons, de dresser des parallèles, de s’intéresser aux évolutions, aux permanences, aux discontinuités de ces traditions de nouvelles faulses, il convient d’étudier d’abord le passé lui-même, en lui-même, et c’est pour ce faire que la revue Dalhousie French Studies propose un numéro thématique consacré à « Infox, Fake News et “Nouvelles faulses” ». Les dates butoirs annoncées par notre titre, « XVe – XXe siècles », soulignent la profondeur historique recherchée, voire les effets de continuités, et correspondent à l’ère de l’imprimé, depuis Gutenberg et ses premières brochures (moins connues que ses bibles), jusqu’aux journaux du premier XXe siècle (ceux que déclasseront par la suite la radio, la télévision, puis l’Internet, mais qui alors règnent en maîtres), en passant par les pamphlets, les Gazettes, les mazarinades, etc. Ces dates sont flexibles, du moins en amont : les propositions consacrées à l’époque médiévale seront également considérées.

Les contributions devront porter essentiellement sur les littératures ou les médias d’expression française. Les réflexions et exemples bien documentés, qui pourront au besoin être accompagnés par l’édition de certains courts textes illustratifs des XVe – XXe siècles, seront préférés aux essais ou aux simples dénonciations des temps présents.

La date limite pour soumettre une proposition (de 200 à 500 mots) est le 15 janvier 2020. Prière d’envoyer les propositions aux deux directeurs du numéro : Vincent Masse (vincent.masse@dal.ca) et Vittorio Frigerio (frigerio@dal.ca).

1 T. Pech (éd.), « Bonaventure des Périers, La prognostication des prognostications (1537). Texte et notes », Bibliothèque d’Humanisme et Renaissance, vol. LII, no 1, 1990, p. 109-121. 2 Robert Darnton, « On retrouve tout au long de l’histoire l’équivalent de l’épidémie actuelle de “fake news” », Le Monde 20/02/2017 ; voir également le dossier « La fausse information de la Gazette à Twitter » préparé par Marion Brétéché & Evelyne Cohen pour la revue Le Temps des médias, no 30, 2018

Dir. Sabine Chaouche et Jan Clarke

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En 1680, Louis XIV prit une décision des plus importantes qui devait marquer la vie théâtrale de la capitale. Une nouvelle entreprise théâtrale allait voir le jour grâce à la fusion de la troupe de l’Hôtel de Bourgogne ― créée dans la première moitié du siècle ― et de la « Troupe du Roi » ― formée, après la disparition de Molière, des membres de la troupe de ce dernier et de celle du Théâtre du Marais. Elle serait plus tard connue sous le nom de « Maison de Molière », titre glorieux qui célébrerait le génie comique et l’héritage culturel de l’un des plus grands auteurs de théâtre français.

Si le talent exceptionnel de Molière en tant que dramaturge, comédien et metteur en scène a le plus souvent été salué au cours des siècles et analysé par la critique littéraire et par les spécialistes des arts de la scène, son travail en tant que directeur de compagnie et entrepreneur de spectacles, de même que le contexte dans lequel les entreprises théâtrales parisiennes ont évolué aux XVIIe et XVIIIe siècles sont fréquemment passés sous silence. De façon plus générale, la vie quotidienne du théâtre a été exclue de ces deux champs de recherche (texte et représentation théâtrale) car elle implique une approche historique à la fois sociale et économique qui s’appuie également sur l’histoire de la consommation et de la culture matérielle.

Dès le XVIIe siècle, les théâtres, de même que les spectacles de cour eurent une logistique sophistiquée et une organisation complexe. Les troupes traitaient principalement avec des artistes, des fournisseurs locaux, mais aussi régionaux, géraient un personnel nombreux et faisaient souvent face au manque de temps en matière de répétition et de production. Leur implantation au sein de certains quartiers eut un impact sur développement de ceux-ci. À partir du milieu du XVIIe siècle, les spectacles devinrent un pôle unique d’opérations commerciales étant au centre de la vie parisienne (ou de Versailles et Fontainebleau), et de l’activité économique. En ce sens, ils furent intimement liés à l’émergence de la société de consommation, vendant aux spectateurs des produits culturels mais aussi d’autres produits comme des boissons ou des livres de sujet par exemple. Les institutions théâtrales les plus importantes présentaient déjà, semble-t-il, certaines caractéristiques des entreprises culturelles contemporaines qui vendent, en outre, des produits dérivés.

Si l’on considère généralement qu’une écrasante majorité des études consacrées aux arts de la scène porte sur les théâtres parisiens, peu d’entre elles s’attachent en réalité aux aspects proprement économiques et opérationnels quotidiens des théâtres parisiens ou des spectacles de cour[1]. La préparation de ce volume a donc un double objectif : célébrer l’esprit d’entreprise symbolisé par Molière, qui n’a pas assez été pris en compte jusqu’ici, tout en observant la manière dont l’entreprise théâtrale des XVIIe et XVIIIe siècles et ses environs ont évolué, des débuts de L’Illustre Théâtre à Paris en 1643 à la scission de la compagnie de la « Maison de Molière » et de la fermeture de celle-ci en 1793.

Examiner l’interface entre les théâtres, leurs fournisseurs et leurs publics nous semble important afin de donner un nouvel aperçu de la période qui a précédé l’émergence de l’industrie théâtrale (Hemmings, 1993) et la « révolution » de la consommation (McKendrick, Brewer and Plumb, 1982). Nous recherchons des contributions qui mettent l’accent sur l’organisation des différentes compagnies parisiennes et l’exploitation des théâtres, et qui relient l’histoire du théâtre à un contexte social et économique plus large comme celui de la vie des quartiers dans lesquels étaient implantés les théâtres (moyens de transports, rues, taxes, boues et lanternes). Nous cherchons aussi à recueillir des contributions capables de mettre en lumière la vie quotidienne des employés des théâtres à travers leurs expériences, leurs compétences et leur travail, et révéler comment ils ont participé à la vie théâtrale florissante qui a marqué l’époque de Molière et plus tard le XVIIIe siècle, à un moment où la concurrence entre compagnies et institutions rivales a culminé. Nous sommes intéressées enfin par la façon dont les théâtres parisiens ont été gérés comme des entreprises culturelles et la manière dont les compagnies ont développé un réseau de fournisseurs.

Ce volume aura une double approche : il s’agira d’évaluer à la fois le macro-environnement ― c’est-à-dire le contexte social, politique, culturel et économique liés à la vie quotidienne des théâtres, ― et le microenvironnement des théâtres, c’est-à-dire leur activité économique particulière et leur organisation pratique (journées typiques, personnel et direction, coûts de fonctionnement, artisans travaillant pour les théâtres).

Nous invitons les historiens du théâtre, de la vie économique et sociale, de la culture matérielle, de la consommation, de l’histoire de Paris, Versailles ou Fontainebleau à se pencher sur les thèmes suivants :

- Le cadre de vie : la vie quotidienne dans les quartiers ou les rues environnant le théâtre (ou les villes accueillant les spectacles de cour) et les locaux, l’emplacement du théâtre ; le logement des acteurs.

- Le fonctionnement d’un théâtre ou d’une troupe : sa composition, son organisation quotidienne et  l’évolution de son administration ; les horaires, les tâches à accomplir ; les comités.

- Les opérations financières et les prises de risque.

- L’intérieur du théâtre et les services ou commodités destinés à la clientèle.

- La logistique, y compris les voyages, les modes de transport, les entrepôts, le matériel utilisé, etc.

- Les affiches et les campagnes publicitaires ; les stratégies et innovations pour attirer les spectateurs.

- Le commerce : les fournisseurs majeurs ou mineurs, les biens et services fournis (pour la scène mais aussi tout ce qui a trait à l’extérieur de la scène et au fonctionnement quotidien du théâtre) ; les magasins près des théâtres ou les espaces de divertissement ; les relations entre les théâtres et les marchands.

- Les produits dérivés et les marchandises vendues dans les théâtres.

- Les réseaux d’employés et de familles ; les spectateurs ayant des relations étroites avec les troupes.

- Le niveau de vie et de consommation des acteurs ou des employés ; leurs biens immobiliers ou patrimoine ; leurs passe-temps.

Veuillez envoyer votre proposition en français ou en anglais (250 à 300 mots) accompagnée d’une courte biobibliographie (1 page maximum) avant le 30 janvier 2020 à la fois à Sabine Chaouche (sabinec@sunway.edu.my) et à Jan Clarke (jan.clarke@durham.ac.uk).

La notification d’acceptation des propositions sera envoyée d’ici la fin du mois de février 2020.

La longueur des articles attendus (en français ou en anglais) est de 6 500 à 8 500 mots, y compris les notes de bas de page. La publication est prévue en 2022.

Nous n’acceptons que les articles inédits.

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NOTE :

[1] Voir Administrer les menus plaisirs du roi : La cour, l’État et les spectacles dans la France des Lumières de Pauline Lemaigre-Gaffier (Paris, Champ Vallon, 2015) qui constitue une somme unique sur la gestion des Menus Plaisirs au xviiie siècle. Nous n’entendons pas ici le thème de l’argent tel qu’il apparaît dans les pièces de théâtre, traité par Martial Poirson. Certains travaux relatifs à l’économie du théâtre ont abordé ce sujet sans l’examiner pleinement. Les documents d’archives sur les théâtres français publiés par W. Howarth (1997) étaient importants. Ils ont été suivis par le travail pionnier de Jan Clarke sur la production et la gestion du spectacle au xviie siècle. Ses ouvrages sur l’Hôtel Guénégaud (1998, 2001, 2007) puis des études ciblées sur les conditions de création (2006), la lumière (2011) ou l’acoustique (2013) ont offert un éclairage nouveau sur les aspects pratiques du théâtre. Les politiques culturelles, la stratégie des acteurs pour faire du profit, l’imbrication de l’économie, de l’écriture et de la performance n’ont été prises en compte que récemment. Voir Mark Darlow (2012), Sabine Chaouche (2013, 2014, 2015), S. Chaouche, Estelle Doudet et Olivier Spina (2017) ou François Velde (2018). La vie quotidienne à l’intérieur et autour des théâtres a également été minorée dans les études sur le théâtre français malgré les études de Jules Bonnassiés (1874), Georges Mongrédien (1950) et John Lough (1979) ‒ qui sont désormais assez datées. Pierre Baron a récemment publié la biographie de Louis Lécluze (2018) qui retrace son parcours d’acteur mais aussi d’entrepreneur (création du Théâtre des Variétés-Amusantes). La relation entre la consommation ou la culture matérielle et le théâtre est généralement négligée en ce qui concerne les xviie et xviiie siècles (voir cependant l’article de J. Clarke sur le Marais et quartier Saint-Germain (2011) et celui de S. Chaouche (2012) qui montre comment la présence des théâtres dans certains quartiers stimula le commerce et la consommation des Parisiens). Le numéro de la Revue d’Histoire du Théâtre consacré aux « Commerces du théâtre », dirigé par Léonor Delaunay et M. Poirson (2017), couvre par exemple uniquement le xixe siècle.

LISTE DES REFERENCES :

Alasseur, Claude, La Comédie -Française au xviiie siècle, étude économique, Paris, Mouton, 1967.

Baron, Pierre, Louis Lécluze (1711-1792), Acteur, auteur poissard, chirurgien-dentiste et entrepreneur de spectacles, Paris, H. Champion, 2018.

Bonnassiés, Jules, La Comédie-Française : Histoire administrative, Paris, Didier et Cie, 1874.

Brewer, John et Porter, Roy (dir.), Consumption and the World of Goods, Londres / New York, Routledge, 1993.

Chaouche, Sabine, « L’économie du luxe ou le théâtre recyclé. L’intendance des Menus-Plaisirs par Papillon de la Ferté », Dix-Huitième Siècle, n° 40, 2008, p. 395‒412. 

—, « L’implantation des théâtres privilégiés à Paris. Locus belli, locus otii, locus negotii », dans L’Opéra de paris, la Comédie-Française et l’Opéra-comique : Approches comparées (1669-2010), S. Chaouche, Denis Herlin, Solveig Serre (dir.), Paris, École des Chartres, 2012, p. 25‒38.

—, La Mise en scène du répertoire à la Comédie-Française, 1680-1815, Paris, H. Champion, 2013.

—, “Daily Life at the Playhouse’ series”, The Frenchmag, 6 épisodes, 2012 et 2013.

—, « Stratégies économiques et politiques de programmation à la fin du xviie siècle. Les spectacles à l’heure des barbouilleurs et des amuseurs », Dix-Septième Siècle, n° 265, 4, 2014, p. 677‒690.

—, « Étude économique et sociale du théâtre de Jean-François Regnard », dans Théâtre de Jean-François Regnard, Paris, Éditions Classiques Garnier, vol. i, 2015, p. 593‒637.

Chaouche, Sabine ; Doudet, Estelle et Spina, Olivier (dir.), Écrire pour la scène, European Drama and Performance Studies, n° 9, 2017-2.

Clarke, Jan, The Guénégaud Theatre in Paris, 1673-1680. Volume one, Founding, Design and Production, Lampeter, E. Mellen, 1998.

—, Volume Two: the Accounts Season by Season, Lampeter, E. Mellen, 2001.

—, Volume three, the Demise of the Machine Play, Lampeter, E. Mellen, 2003.

—, “The Material Conditions of Molière’s Stage”, dans The Cambridge Companion to Molière, David Bradby, et Andrew Calder (dir.), Cambridge, Cambridge University Press, 2006, p. 15‒36.

—, « L’éclairage », dans La Représentation théâtrale en France au xviie siècle, Pierre Pasquier et Anne Surgers (dir.), Paris, Armand Colin, 2011, p. 119‒140.

—, « L’espace urbain dans la scénographie du dix-septième siècle », dans La Ville en scène en France et en Europe (1552-1709), Jan Clarke, Pierre Pasquier, et Henry Phillips (dir.), Oxford, Peter Lang, 2011, p. 119‒138.

—, « Les conditions matérielles de la création des Précieuses ridicules », Le Nouveau Moliériste, n°x, 2013, p. 3‒24.

—, « L’acoustique théâtrale au dix-septième siècle : le cas de la Salle des Machine », dans Les Sons du théâtre : Angleterre et France (xvie-xviiie siècle, éléments d’une histoire de l’écoute, Xavier Bisaro et Bénédicte Louvat-Molozay (dir.), Rennes, Presses Universitaires de Rennes, 2013, p. 23‒42.

Clay, Lauren R., Stagestruck: The Business of Theater in Eighteenth-Century France and Its Colonies, Ythaca et Londres, Cornell University Press, 2013.

Cornuaille, Philippe, Les décors de Molière (1658-1674), Paris, Presses Universitaires de la Sorbonne, 2015.

Darlow, Mark, Staging the French Revolution: Cultural Politics and the Opéra de Paris, 1789-1794, New York, OUP, 2012.

Delaunay, Léonor, and Poirson, Martial (dir.), Les Commerces du théâtre, Revue d’Histoire du Théâtre, n° 276, 2017.

Forestier, Georges, Molière, Paris, Gallimard, 2018.

Hemmings, Frederic William John, The Theatre Industry in Nineteenth-Century France, Cambridge, CUP, 1993.

Howarth, William D. (dir.), French Theatre in the Neo-classical Era, 1550-1789, Cambridge, Cambridge University Press, 1997.

Lemaigre-Gaffier, Pauline, Administrer les menus plaisirs du roi : La cour, l’État et les spectacles dans la France des Lumières, Paris, Champ Vallon, 2015.

Lough, John, Seventeenth-Century French Drama: The Background, Oxford, Clarendon Press, 1979.

McKendrick, Neil ; Brewer, John, et Plumb, J.H., The Birth of a Consumer Society: The Commercialization of Eighteenth-Century England, Bloomington, Indiana University Press, 1982.

Mongrédien, Georges, La vie privée de Molière, Paris, Hachette, 1950.

—, La vie quotidienne des comédiens au temps de Molière, Paris, Hachette, 1992.

Serre, Solveig, L’Opéra de Paris (1749-1790) : politique culturelle au temps des Lumières, Paris, Éditions du CNRS, 2010.

Spanu Fremder, Silvia, Le répertoire et la dramaturgie de la Comédie-Italienne de Paris durant la seconde moitié du XVIIIe siècle, thèse de doctorat soutenue à l’Université de Paris 4-Sorbonne, 2010.

Velde, François, « An Analysis of Revenues at the Comédie Française, 1680-1793 », https://papers.ssrn.com/sol3/papers.cfm?abstract_id=3069496

Created in 1995 to honor the memory of Laurence Wylie, Professor of French Civilization at Harvard University, the Laurence Wylie Prize in French Cultural Studies is awarded every second year to the best book in French cultural or social studies. Since 2017, the Prize has been administered by the faculty of NYU’s Institute of French Studies.

This year, nominated books must have been published in 2018 or 2019. Eligibility:

·       Nominated books must be scholarly essays dealing with French society or culture concerning any historical period. France is conceived in broad geographic terms, including the Caribbean, Africa, the Maghreb, the Indian Ocean, South and Southeast Asia, etc.

·       Books may be written in English or French, and book authors may be of any nationality, but the author must reside in North America.

·       While fiction and literary criticism are excluded, nominated books may combine literature with other disciplines.

·       Authors at any stage of their career may submit books. All things being equal, however, the Prize Committee will give preference to an author’s first significant book.

·       Essay or source collections, reeditions, etc. are not eligible.

The deadline for submissions is January 31, 2020. The prize will be announced in the spring of 2020 and awarded at NYU the following fall. Presses may submit more than one book. For further inquiries, please contact the committee chair, Herrick Chapman (hc3@nyu.edu).The 2016-2017 Wylie Prize was awarded to Professor Laura Kalba (University of Minnesota) for her book Color in the Age of Impressionism: Commerce, Technology, and Art (Penn State, 2017).

Please send a copy of each nominated book to the members of the Prize Committee by January 31, 2020 (total of four copies):

Herrick Chapman (non-voting chair)

Institute of French Studies

New York University 

15 Washington Mews

New York, NY 10003

Judith Coffin

3206 Greenlee Dr.

Austin, TX 78703

Katherine B. Crawford

45 Wonderstrand Way  

Eastham, MA 02642

Laura A. Kalba

Department of Art History

University of Minnesota 338 Heller Hall 271 19th Ave S Minneapolis, MN 55455

Les propositions d’article (250 mots) en Français ou en Anglais centrés sur des ouvrages du dix-huitième siècle français ou incluant un ouvrage du dix-huitième siècle français sont attendues d’ici le 15 janvier 2020 pour publication dans MFDS/ECFW 2020. Les modifications textuelles sur des manuscrits et les regrets liés à la publication ou à des « suites » lorsqu'un personnage, une narration ou une série créative suit une direction donnée et la perspective de certaines prémisses textuelles. La censure ou les «conversions» d’auteurs peuvent en être cause, tout autant que la nécessité de publier quelque texte de façon prématurée. Les suites et modifications d'un autre auteur peuvent également être prises en compte, telles que B. Constant repris par « Mistriss Henley ». Pour les critiques connaissant les corrélations mot-image, les illustrations de la littérature peuvent compléter, contredire ou réorienter les romans qu’elles accompagnent : leurs interactions avec le texte qu’elles illustrent méritent un examen minutieux. En tous cas, un facteur idéologique et psychologique sont à l’œuvre dans ces phénomènes de reprises et retouches quand ils n’ont pas tout simplement provoqué la destruction d’une œuvre.

Envoyez ces propositions à Servanne Woodward, swoodwar@uwo.ca.

https://ojs.lib.uwo.ca/index.php/mfds-ecfw

Dioramas, zoothropes, théâtre exotiques, climatiques, naturels et aquatiques…

La Revue d’histoire du théâtre initie un chantier de recherche autour de la présence de la nature, du paysage, de l’environnement et de la météorologie au théâtre.

Voyages, exotisme, fictions touristiques, dioramas, hydroramas, théâtres nautiques, aquatiques, théâtres climatiques, catastrophes et dérèglements en scène… ces expériences, d’hier et d’aujourd’hui, qui transforment parfois le lieu lui-même en environnement (aquarium, jungle, désert, montagnes…), mettent en scène des décors, des lumières, des atmosphères, des dispositifs qui associent la scène et la nature. Des images déplacées, ni vraiment réalistes ni vraiment symbolistes, apparaissent, plaçant les spectateurs dans une expérience étrange et familière à la fois.

Nous chercherons des outils du côté de l’histoire des sciences, des techniques et de la culture matérielle afin de pouvoir observer des objets tout à fait hétérogènes et transhistoriques – le cadrage chronologique, volontairement vaste, s’étendant du XVe siècle (naissance de la peinture de paysage comme genre pictural) au XXIe siècle. Ce dossier se propose donc d’explorer les multiples facettes de la nature et du paysage au théâtre, sans restrictions chronologiques, de façon interdisciplinaire. Cet appel à communications s’adresse aux chercheur·se·s en études théâtrales, aux historien·ne·s mais aussi aux sociologues, anthropologues, ou spécialistes d’autres disciplines, comme la géographie, l’histoire de l’art, les études cinématographiques, qui peuvent aussi mettre au cœur de leurs réflexions l’objet théâtral à toutes les époques.

Comité scientifique : Frédérique Aït-Touati, Anne-Françoise Benhamou, Pierre Causse, Léonor Delaunay, Laure Fernandez, Alice Folco, Isabelle Moindrot, Julie Sermon

Coordination : Pierre Causse, Léonor Delaunay

Des contributions sous des formes diverses peuvent être proposées : Articles, entretiens, images commentées en cahier ou diaporamas, expériences graphiques, essais…

Adresse web : https://sht.asso.fr/chantier-recherche/ambiances-theatrales/

Calendrier

-       Envoi des propositions avant le 10 janvier 2020 à : leonor.delaunay@sht.asso.fr

-       Retours du Comité scientifique : avril 2020

-       Remise des articles et contributions retenus : mars 2021

Argumentaire

Ainsi le théâtre se saisit de la nature, (« le spectacle de la nature » dont parle Frédérique Aït-Touati). Il tente de créer ou de re-créer, de « composer » des mondes, d’exercer un contrôle sur son environnement.

Voyages, fictions touristiques et pittoresques, dioramas et expositions, théâtres climatiques et exotiques, théâtres aquatiques, théâtres de nature : ces expériences théâtrales du XIXe siècle à nos jours – qui investissent parfois des espaces non destinés au spectacle, ou transforment le lieu lui-même en environnement (aquarium, jungle, désert, montagnes…) – fabriquent des décors, des lumières, des atmosphères, des dispositifs qui cherchent à « faire voyager » le public, à le confronter à de nouveaux paysages. Le spectateur est plongé dans le motif naturel, il fait l’expérience physique, émotionnelle, sensationnelle de l’immersion dans les éléments du paysage. Il est invité, en ce début de XXe siècle passionné de découvertes et d’expériences nouvelles, à se dé-payser, à excursionner à l’intérieur des décors-nature, en quête d’images et de sensations inédites.

Ce faisant, les expériences scéniques qui explorent la nature et la matière environnementale visent à ajuster le monde au théâtre. Elles peuvent être, paradoxalement, des représentations apologétiques de la technique et du mythe machiniste, (particulièrement durant la période des expositions universelles, 1860-1937), où la fabrique de la nature sur scène implique des excursions paysagères et pittoresques, mais n’oublie pas de glorifier les infinies possibilités que l’homme désormais maîtrise, dans ce moment d’euphorie du progrès, où la scène théâtrale se fait à son tour artefact de ces « imaginaires du progrès technique » (François Jarrige, Technocritiques, du refus des machines à la contestation des technosciences, 2014).

Les travaux en philosophie, géographie, histoire, nous préviennent de ne pas céder à la « croyance commune en la naturalité du paysage » (Anne Cauquelin, L’Invention du paysage, 2013). Tout paysage (le terme appartient d’abord au vocabulaire pictural) est fabrication. Comment alors, et de quelle manière, le théâtre est-il tributaire et participe-t-il de la mise en paysage du monde ?

Nous pourrons ainsi explorer la tension entre fabrication d’un monde et re-création d’une partie du monde. Les gestes et les techniques mobilisés dans ce type d’entreprises recouvrent une importance décisive pour nos recherches : par exemple, comment passe-t-on de la toile peinte au vrai arbre ? Cette perspective matérielle permet d’interroger à nouveaux frais les capacités mimétiques du théâtre, les notions d’authenticité, de couleur locale, de pittoresque, d’exotisme et de déplacement. En proposant en quelque sorte de poursuivre l’écriture de l’histoire de la toile de fond, nous invitons les rédacteurs et rédactrices à s’interroger sur la double tension qu’entraîne la notion de paysage, pris à la fois entre convention stéréotypée et reproduction du particulier.

En regard des diverses réalisations, il est possible d’ouvrir aussi la réflexion sur les projets « impossibles » ou excentriques, aux utopies architecturales, aux rêves d’une autre expérience théâtrale, restés à l’état d’ébauches, et dont quelques archives gardent seules la trace…

1° « La nature à coup d’œil »

Durant le long XIXe siècle, des panoramas – qui reproduisent des vues de contrées lointaines ou des scènes historiques – aux drames naturalistes ancrés dans des contextes sociaux ou géographiques parfois éloignés de l’expérience des spectateurs, il existe des séries de formes spectaculaires cherchant à rendre accessible ou visible un ailleurs spatial ou temporel, à en dérouler les paysages. On pourra alors s’intéresser plus précisément à ces panoramas, dioramas et autres dispositifs de représentation qui précèdent ou accompagnent de près l’invention du cinéma. On pourra disséquer et étudier les techniques, les matériaux, les expérimentations technologiques mobilisées, mais aussi les usages qu’on en a fait.

Les archives et les études des peintres de décors, les brevets conservés l’INPI ou encore les descriptions minutieuses des installations panoramiques, sonores, visuelles et matérielles que l’on peut trouver, entre autres, dans Le Théâtre de l’avenir de Georges Vitoux, La Science au théâtre de Vaulabelle et Hémardinquer, le Dictionnaire historique et anecdotique d’Arthur Pougin, entreprises encyclopédiques et érudites chères au XIXe siècle, qui peuvent contribuer à fixer ces nouveaux outils scéniques et permettront de restituer ces dispositifs dans lesquels le spectateur est immergé. Il se trouve alors soit lui-même marcheur ou excursionniste, arpentant le décor, se déplaçant parmi les paysages, soit immobile, plongé dans des paysages artificiels.

Ces différentes formes, hier comme aujourd’hui, affichent une portée documentaire, allant dans certains cas jusqu’à assumer une dimension ethnographique. Elles sont à relier au goût du voyage, à la fascination pour l’exotique et l’étrangeté, que la multiplication des récits d’exploration et la presse illustrée ont pu aider à amplifier à partir du XIXe siècle. Conquête coloniale, extension du tourisme et captation des altérités pourront bien entendu être abordés dans ce cadre (le panorama n’avait-il pas été décrit comme une sorte d’allégorie de l’impérialisme ?).

2° Voyages vers les ailleurs

À l’autre bout du spectre des rapports entre création théâtrale et réalité se trouvent les mondes de pure fantaisie inventés par la féerie, le « théâtre du merveilleux », les œuvres associées à un théâtre « fantastique » (dont les contours varient avec le temps), les utopies et les dystopies théâtrales… Dans quelle mesure ces expériences, affranchies des lois de la physique ou de la logique pour mieux créer leurs propres conventions, proposent-elles autant d’échappées vers d’autres paysages ?

Les deux bouts du spectre se rejoignent d’ailleurs, et il ne faudrait pas supposer qu’une stricte séparation s’instaure entre ces deux domaines de la création. Pensons au Tour du monde en 80 jours de Verne et d’Ennery (1874), exemple d’un entre-deux à la fois pédagogique et divertissant, où il s’agit bien de fantasmer un autre monde sur des bases référentielles. Convoquons Gaston Baty, partisan d’un « théâtre de l’évasion », pour qui la mission du metteur en scène est de « réaliser sur la scène le songe d’un univers expressif et cohérent et de provoquer dans la salle une hallucination collective » (Rideau baissé, 1948). Que la visée soit partiellement documentaire, exotisante ou ouvertement onirique, les créateurs composent de fait avec les attentes du public et les imaginaires partagés, qui en disent autant sur les représentations collectives d’une époque que sur cet ailleurs. Les expériences spectaculaires et oculaires proches des mondes de la magie et des sciences occultes pourront d’ailleurs être explorées à cette occasion.

Nous pourrons nous demander ce que ce goût du voyage et de l’exotisme sur scène peut devenir, dans un contexte contemporain où l’on « peine à provoquer l’émotion du dépaysement » (Laurent Demanze, Un nouvel âge de l’enquête, éditions Corti, 2019, p. 95).

3° Contrôle des mondes

La métaphore selon laquelle l’œuvre est un monde, dont le créateur serait le démiurge, est courante, notamment au XIXesiècle. Flaubert en donne une formulation célèbre : « L’auteur, dans son œuvre, doit être, comme Dieu dans l’univers, présent partout et visible nulle part » (lettre à Louise Collet, 9 décembre 1852). À l’heure de l’œuvre-monde dans la presse et le roman, existe-t-il un équivalent de ces ambitions de représentation totalisante dans le domaine des arts de la scène ? En interrogeant la conception du spectacle comme création d’un monde en soi, il y a lieu de questionner l’ambition non seulement mimétique, mais aussi démiurgique des auteurs et metteurs en scène.

Les mises en perspective transhistoriques sont bienvenues : quelle(s) différence(s) peut-on par exemple identifier entre ce type de créations et la vision baroque du theatrum mundi, d’une réversibilité entre le monde et le théâtre ? (Calderon, Le Grand théâtre du monde…). Qu’en est-il dans les dramaturgies du XVIIe et XVIIIe siècle dans lesquelles l’unité de lieu fait souvent règle ? L’animation du paysage par les variations de lumière (lever et coucher du soleil dans Mirame de Desmarets de Saint-Sorlin (1641) par exemple) est-elle une voie jugée féconde pour compenser la fixité du lieu ?

Que ce soit dans des formes théâtrales conventionnelles ou dans des « installations » spectaculaires novatrices, l’idée de « petit monde » offert à l’observation invite à étudier certaines configurations du rapport entre humain et non humain — que la figure humaine soit présente dans la fiction et l’installation, ou qu’elle ne le soit pas, sinon par le biais des corps des spectateurs, leurs regards, bref : par la position qui leur est offerte dans cet univers. Sur scène, l’homme est-il dans le paysage (pour reprendre le titre d’un ouvrage d’Alain Corbin), lui fait-il face, s’en détache-t-il ? Quelles peuvent être les traductions scéniques de l’idée d’un paysage-état d’âme ? Les objets à étudier impliqueront ainsi bien souvent une appréhension de l’homme dans sa relation avec la « nature » (séparation, correspondances, influence, maîtrise…).

Les spectacles vont-ils toujours dans le sens d’une figuration de l’homme comme maître et possesseur de la nature, en tant que démiurge capable de recréer des environnements entiers ? Dans quels contextes peut-on observer l’invention d’autres rapports, voire les prémices d’une pensée ou d’une critique de la technique, ou même, dans la période plus contemporaine, d’une conscience écologique (on pourra penser au colloque Le Théâtre face au changement climatique, coordonné par Éliane Beaufils et l’Université Paris 8 en décembre 2018 au Théâtre Nanterre-Amandiers) ?

Les immersions (théâtres panoramiques, hydroramas, dioramas, etc…), les déplacements des espaces au cœur même de la nature ou l’hybridité des espaces théâtraux/espaces naturels pourront être mobilisés ; on pense bien entendu, mais pas uniquement, au Théâtre du Peuple de Pottecher, niché dans les montagnes vosgiennes mais aussi, dans les années récentes, au cycle des « Mondes possibles » au Théâtre Nanterre-Amandiers dirigé par Philippe Quesne ou aux expériences de Bill Mitchell (Landscape theatre / Théâtre de paysage)…

La question du corps (corps du spectateur – corps des acteurs et actrices), de la posture et du mouvement du spectateur dans ces dispositifs pourra être abordée. Elle nous parle du rapport de l’humain à la nature et à son environnement, rapport qui pourra être questionné dans son évolution, jusqu’à aujourd’hui où l’exposition de la nature sur scène engage nécessairement d’autres enjeux, d’autres interrogations, d’autres urgences, formelles et/ou politiques.

Quelques pistes et questionnements

Représenter le monde, créer des mondes

-      Mondes merveilleux, féeriques

-      Théâtre de l’ailleurs, Théâtre exotique

-      Représentations du voyage, des ailleurs

-      Le folklore au théâtre

-      Montagnes, pics, panorama et autres « horreurs glacées »

-      Grottes et paysages inquiétants ou mystiques

-      Le pittoresque, le caractéristique

-      Robinsonnades au théâtre

-      Terres imaginaires et mondes utopiques

-      Dystopies sur scène et représentations du drame climatique

La fabrique de l’environnement

-      Évolutions de la toile peinte / traditions des décors peints / monographie de peintres de décors de paysages etc.

-      Les innovations techniques au service de l’imitation de la nature

-      Machines et trucs représentant des phénomènes naturels

-      Les accessoires des théâtres exotiques, pittoresques, folkloriques…

-      Les théâtres climatiques dans les expositions universelles

-      La circulation des décors (remplois d’un spectacle à l’autre, diffusion de modèle par publications de gravures et lithographies…)

Déplacer le spectateur / immersion

-      Immersion (la brume, le paysage sonore…) VS frontalité dans le rapport au paysage

-      Transformer la salle de spectacle (hydrorama, théâtre nautique etc.)

-      Plonger le spectateur dans un environnement

-      Archéologie de l’immersion

-      Les spectacles dans les expositions coloniales et universelles (circulation des spectateurs, éléments convoqués, sons…)

-      Le regard du spectateur : frontal, panoptisme, immersion…

Sollicitations sensibles

-      Des « machines à voir » : de nouvelles expériences du regard

-      Expériences sonores (perspective historiques, techniques, technologiques, esthétiques…)

-      Théâtre des sensations et des vertiges

Image de l’appel à contribution : Dioramas, Palais de Tokyo, 2017.

Image de couverture du site internet : exposition Seul celui qui connaît le désir de Ragnar Kjartansson, Palais de Tokyo, 2015

Adresse web : https://sht.asso.fr/chantier-recherche/ambiances-theatrales/